Sur les bases connues de l’étude de l’organisme humain, la biomécanique s’efforce de créer un homme qui étudie les mécanismes de sa propre constitution, capable idéalement de la développer et de la dominer. L’homme contemporain qui vit dans les rouages complexes de la mécanisation ne peut pas manquer de mécaniser les rouages de son propre corps. Les principes de la biomécanique fixent l’accomplissement décomposé avec précision, de chaque mouvement (…), la détermination des points où commence et où finit le geste, la pause après chaque mouvement accompli, la géométrisation des déplacements. L’acteur contemporain doit apparaître sur scène comme un véritable moteur.

Article tiré du livre de Christine Hamon sur “Le constructivisme au théâtre”

La Futura est une police d’écriture appartenant à la catégorie des linéales (selon la classification Vox-Atypi, qui regroupe toutes les fontes sous une dizaine de familles. Les linéales correspondent aux Antiques dans la classification Thibaudeau), à l’instar de la très célèbre Helvetica. La Futura a la particularité d’être parfaitement régulière ; Des courbes de Bézier simplissimes et l’absence totale de fantaisie. Sobre sans être austère. Une enquête effectuée par Typo CZ en 2001, auprès de designers graphique célèbres, nous apprenait sa sixième place dans un classement mené – haut la main – par l’indétrônable Garamond.

Dessinée en 1953, cette typographie est l’œuvre de Paul Renner (1878 – 1956). Allemand de naissance, le designer n’adhère pas aux nouveaux courants et médias, tels que le cinéma, la danse, le jazz ou la culture moderne. Pourtant, le Modernisme le fascine. Son côté strictement fonctionnel, sa recherche d’une nouvelle esthétique, plus industrielle, séduisent le créateur. Renner est vu comme un lien entre traditionalisme du 19^e siècle et modernisme du 20^e. Ferme opposant au régime Nazi, le typographe va jusqu’à rédiger un violent pamphlet, intitulé Kulturbolschewismus (Bolchevisme culturel), prenant alors de grands risques, à l’aube des Guerres Mondiales.

Cet intérêt profond pour la culture de l’ex URSS, à travers son texte et sa fascination pour le Modernisme, laisse penser qu’il a pu s’inspirer du Constructivisme Russe, né au début 20^e, pour aboutir à la Futura. Les principales caractéristiques du mouvement russe reposent sur la volonté de fusionner l’acte créateur dans la production, ainsi que l’utilisation de formes géométriques simples dans l’exploration d’un espace défini. A plus fort titre que la Futura dans son tracé définitif, les recherches de Renner confirment une approche similaire au constructivisme, apportant des axes quasi-expérimentaux aux dessins de certains glyphes – on notera, par exemple, les différents a et g, remarquablement audacieux -.

Dans le cadre de mon projet de fin d’année, où je compte élaborer une charte graphique pour le journal Libération, directement inspirée du graphisme soviétique, les recherches typographiques sont primordiales. Cette approche de la Futura justifierait son utilisation en tant que police d’écriture pour les textes requérant une excellente lisibilité (le contenu des articles, notamment). Egalement, les esquisses préliminaires autour de la typographie vont me permettre de développer une typographie un peu plus originale et moderne, tout en gardant, comme inspirations majeures, les affiches de propagandes du régime communiste.

ACAJOU crée des spectacles de danse et de mouvement, et porte le vaste projet d’oeuvrer pour l’accessibilité de la culture et de la pratique chorégraphique aux personnes déficientes visuelles

1. Un aide-mémoire pour les chorégraphes

Bien des chorégraphes éprouvent le besoin de prendre des notes durant le processus de création pour mémoriser l’évolution de leur travail.

Ne maîtrisant pas toujours un système de notation, ils développent des « écritures » moins techniques qu’ils sont seuls à comprendre et qui leur permettent de ne pas perdre la trace de certaines séquences de leurs oeuvres.

2. Au service des oeuvres

Durant le temps de création, certains chorégraphes utilisent de véritables systèmes de notation pour disposer d’une saisie fiable et précise des mouvements. L’usage de deux d’entre eux s’est répandu à l’échelle internationale : la cinétographie Laban et la notation Benesh, présentées dans l’exposition à travers deux partitions d’oeuvres contemporaines.

3. Faire vivre les répertoires

Noter une chorégraphie permet d’en conserver la mémoire, de créer une « littérature » de la danse. Partitions à l’appui, des oeuvres du passé, transcrites lors de leur création, renaissent ainsi de leurs cendres au XXe siècle. Deux exemples en témoignent ici : le remontage du pas de six de La Vivandière par Pierre Lacotte et la création d’Atys par Francine Lancelot.

4. Diffuser des danses de société

La notation ne sert pas seulement à garder trace d’oeuvres chorégraphiques. Elle se révèle également très utile dans la pratique amateur et collective des danses de société. Pour bien se mouvoir ensemble, il faut avoir assimilé les mêmes règles, et le détour par l’écrit est alors précieux.Depuis des siècles, les manuels d’apprentissage regorgent d’essais de transcription du mouvement aussi variés que les danses qu’ils évoquent.

5. Au-delà de la danse

Grâce à certaines notations, il est possible de consigner tout type de mouvement humain. Des metteurs en scène y ont notamment recours, comme le montre le tapuscrit de La Fausse Suivante, annoté en cinétographie Laban. La notation est aussi un outil essentiel dans différentes disciplines comme l’ergonomie, la kinésithérapie et plus particulièrement l’anthropologie.

6. Apprendre à apprendre

Noter implique d’observer, d’analyser, de se référer à un « discours objectif », autant de compétences utiles pour les danseurs. Elles changent leur approche de l’apprentissage de la danse en leur permettant, entre autres, de s’émanciper de la présence d’un maître. Les enfants eux aussi s’approprient très rapidement les principes de l’analyse du mouvement liés à la notation et développent un autre rapport à leur mobilité. On en découvre ici un exemple issu d’un livre d’images conçu par Ann Hutchinson Guest, destiné à l’apprentissage du Motif Description.

7. La partition comme oeuvre

À la fin du XIXe siècle, des artistes comme Degas, Rodin ou Bourdelle se sont tout particulièrement intéressés au mouvement. Au cours du XXe siècle, certains iront même jusqu’à « danser leur peinture », comme Jackson Pollock. Des chorégraphes, surtout dans les années 1960, s’inspireront de telles démarches pour produire des oeuvres chorégraphiques impliquant les arts visuels.

Trois différents aspects se dégagent de la chorégraphie que je pense devoir exprimer dans la partition :

_ Improvisation structurée (ou tâches). Les paramètres du mouvement sont définis et il est demandé aux danseurs d’explorer les mouvements possibles à partir de ces paramètres.

_ Directives chorégraphiques, identiques de distribution en distribution.

_ Propositions chorégraphiques ouvertes. Désir de donner aux danseurs un environnement dans lequel ils peuvent trouver leur style propre, la chorégraphie “conduisant au désir de danser” plutôt que fixant des pas avec lesquels l’interprète aura un lien passager. 

Mon enjeu étant de signaler visuellement au lecteur quels moments de la partition sont une “tâche”, une directive du chorégraphe, un mouvement ouvert à une interprétation différente de son écriture. 

Le noir est utilisé comme dans toute partition. Le mouvement doit être enseigné et dansé tel qu’il est écrit. La notation admet cependant implicitement la possibilité de variantes, selon le danseur, sa technique, ses limites physiques.